時間：2025年11月15日（六）16:00 - 18:30

地點：臺北文創大樓14樓文創會所

口譯：林婉瑂

文字紀錄：張憶潔

攝影：蔡耀徵

非常高興見到大家，我叫朴珍映，我是韓國電影調光師，有機會受邀來到亞洲最具權威且歷史非常悠久的金馬影展大師課，我感到非常榮幸，也非常感謝百忙之中特地前來參與的各位，在此表達誠摯的感謝。我來之前一直在思考究竟要和大家分享什麼，也藉著這個機會稍微回顧這二十多年來我作為一名調光師，有哪些心路歷程，仔細算了一下，發現我目前為止參與了大概兩百部的作品，其中包含2018年我獲得Camerimage電影攝影藝術國際影展的最佳攝影獎（Golden Frog）的《南漢山城》，以及《12.12：首爾之春》、《犯罪都市》、《哈爾濱》、《地獄公使》等等，除此之外，我也有參與Netflix《魷魚遊戲》（S2, S3）、《凶降喜訊》等作品，在2017年也曾經參與台灣電影《吃吃的愛》的調光工作。

將情感、氣氛、節奏、空氣等元素，轉譯成色彩、色調、色溫之間的平衡

在回顧這些作品時，我慢慢整理出一直以來的心路歷程，以及作為調光師的信念跟哲學，我準備了非常豐富的內容希望跟大家一起分享。首先來討論一下我所認為的「調光」是什麼。在我看來，調光不單純是技術性的技巧，它是延續導演的視角，把作品的訊息、情感轉譯成色彩的重要過程。具體來說，我要將情感、氣氛、節奏、空氣等元素，轉換成色彩、色調、色溫之間的平衡。我認為在兩小時的電影中，即使沒有台詞和音效，觀眾完全可以透過亮度、色感、氛圍，一幕幕接受我們要傳達的訊息，相信大家都有只從畫面就能感受到整場戲氛圍與情感的經驗吧。

我認為調光是讓電影穿上最合適的衣服，能讓感動加倍，或讓觀眾在瞬間直覺地理解電影的最後一道工序。像我剛剛提到的，這份工作除了技術層面，更重要的是創意，所以今天課程我會著墨於「創意發想」，相信對這塊特別感興趣的人應該能夠有所收穫，接下來我就要跟大家分享，我是如何開始作業的。

開始工作時我會先閱讀「劇本」，之後會再跟導演、攝影指導見面「討論」，我們通常會討論這個作品想呈現的核心意圖，以及概念、訊息。如果選角已經完成，我也會想看角色是由誰飾演。與創作者的交流非常重要，透過這些對話我可以獲得非常多靈感，並且根據導演的需求以及我感受到的方向去找到交會點，去構築屬於我的版本。接下來我也會跟攝影師一起思考要打造出什麼樣的影像，這些思考過程都會透過實際測試，也就是「試拍」來解決，我們會一起討論鏡頭、濾鏡、燈光的選擇。同時我們也會跟服裝、妝髮、美術團隊進行更多探討，以及找更多案例來進行比對，再透過攝影機去做最後確認與決定，因為肉眼看到和透過攝影機看到的感覺是不太一樣的。同時我們也要考量作品的時代背景、故事類型，它是電影還是影集？這些因素都決定了整部作品的大方向和基調。

我們剛剛討論了這些概念、確定了基調之後，也同時會考慮像是Netflix、Disney+這些OTT平台有非常多作品，因此要選擇與組合各種攝影機和鏡頭就變得非常重要，即使是OTT平台也會希望呈現像電影膠卷拍攝出的質感，我也經常打造出這種電影膠卷感的調光，這個過程真的非常有趣，我可以透過電影畫面跟大家簡單示範。

（調光前、後的畫面圖像）

這是調光前、後的畫面差別，我們把數位攝影機比較尖銳、平面的質感稍微柔化，轉換成比較柔和、具強烈對比的感覺，讓原本輕薄的畫面變得比較高級、更有重量。大家可以仔細看前後對比，甚至有種使用變形鏡頭的質感，我也加上顆粒感，希望畫面呈現出更多電影膠卷感。

經過會議和試拍後，我們就開始進行拍攝。偶爾我會去確認影像，同時也會等待剪輯版本寄過來，影片送來之後我也會反覆觀看非常多次。這段時間其實是最能激發靈感的，我要去思考如何替作品穿上最適合它的衣服。所以有時候我可能會看兩三次，盡量透過重複觀看的環境去找到靈感。我也會從服裝、美術、天氣，以及從演員的聲音、語氣當中，去想像這部電影應該具備的亮度、對比還有整體概念。我會先按照自己構想的調光概念，調整幾個場景再給攝影師看，當然有時候可以一次OK，但也滿常出現展開激烈討論的情況，這時我們就需要具備能夠說服攝影指導的溝通能力，同時你也要對自己非常有信心才行。

舉個例子，幾年前我參與的某部作品，這個作品在拍攝時是按照1.85:1的長寬比規格進行，不過在我檢視拍攝素材的背景、動作、場面等，發現其中有非常多動作戲，而且有滿多畫面要以更大規模去呈現才能完整，我就跟攝影指導提議要不要改成2.35:1長寬比的規格來進行拍攝，後來他也採納了這個建議。要做這樣的調整真的很不容易，畢竟需要製作方、投資方等多方同意，後來成果也很好，攝影指導還以這部作品獲得一座攝影大獎，所以有說服力的溝通真的非常重要。除此之外，調光還有一些我所重視的原則。

概念的一致性：從頭到尾保持一致的視覺概念

首先是我認為電影從頭到尾必須保持一致的視覺概念，無論是白天或夜景、室內或室外或搭景，就算是完全不同的場景，我也希望維持一致的感覺，無論是亮度、顏色、對比等，保持一致性都是非常重要的，這也是我們在色彩上提高完整度時不能忽略的部分。這是為了確保觀眾觀看時不會覺得突兀，能沉浸在作品中。我自己看電影也是一樣，如果發現色調失衡，一下強、一下弱，無法清楚它的概念，就會很難投入。

空間的真實性：營造讓觀眾相信的真實空間感

接下來是關於空間的真實感。進行調光作業最困難的就是外景，因為拍攝條件較艱難，就算是室內場景，如何呈現空間感也非常重要，我個人認為這也是能看出一位調光師真正實力的地方。為了讓觀眾能夠帶入情感、沉浸在作品中，我必須讓觀眾感覺像是真實處在電影的空間中，這是我剛入行時遇見的一位攝影師告訴我的祕訣。當時有場戲是女主角站在海邊陷入悲傷，攝影師看完後對我說，你只是把顏色做得漂亮而已，你真的有站在那片海邊嗎？這句指點讓我感覺當頭棒喝，得到非常大的領悟，那句話到現在已經十五年左右，我仍然把此視為準則，我們現在也持續進行合作，現在我反而會要求他「你怎麼不拍好一點？」「拍這個角度能看嗎？」互相吐槽、一起把作品做到最好。

角色的情感深度：賦予角色更深層的情感深度

接下來是要突顯人物，這也是非常重要的部分，因為電影裡最核心的焦點就是人物。人物的表情、眼神呈現得更具立體感，讓觀眾更能投入、跟上電影的腳步。比如說將背景和人物做分離，或在臉部表情或眼神的地方做對比去突顯，待會再透過一些畫面進一步說明這點。

色彩和諧的平衡：確保影像在所有銀幕上保持一致

接下來想談的是和諧的色彩（Harmonious Color，平衡且具有美感的色彩搭配）的平衡，個人認為這也是調光師非常重要的能力之一。人們常常會說色彩是沒有標準答案的，某程度上沒錯，但我並不認為看起來不和諧、不平衡的色彩呈現可以被解釋為刻意為之或個人風格，我覺得這樣的說法欠妥。而且我認為只有在畫面達到色彩平衡時，感動才會被放大、情緒才能得到共鳴，其實觀眾的眼光比我們想像中還要高。所謂良好的平衡是什麼呢？畫面中的色彩、色溫、飽和度、對比、亮度等各方面，不失衡、不搶戲，而且保持各自的角色。畫面中沒有突兀的顏色，也能和背景及服裝融合，不搶走畫面主導權且不干擾情緒，反而能讓情感更深層地傳遞，我認為這種平衡是讓作品的品質更好、更趨完美的關鍵。

穩定的平衡能夠讓作品在條件較不好的電影院或電視上放映時，能夠維持穩定的呈現，即便設備問題導致色彩有輕微的偏差，但整體的平衡仍然能夠被維持，不會破壞觀眾的情緒，所以我認為這點必須要守住，而且是為了作品一定要堅持的大原則。因為一旦畫面失衡，在設備條件較不好的環境會更明顯，不協調的部分更會被放大。我相信在座有非常多導演、攝影指導、製片等業界專業人士，各位在調光室一定曾說過：哪裡不太對勁、感覺不太對，這種沒辦法具體傳達感受的經驗大家應該都有過吧，這種情況多半是因為裡面有不和諧的顏色混在一起，導致色彩平衡被破壞，所以各位才會有這樣的反應。

創意：我待在這間黑暗房間裡的原因

接下來第五點是創意，即使是相同的影像素材交到不同的調光師手上，對於情感的溫度、緊張感、節奏等，大家的表現都會不一樣，所以對我們調光師而言，最需要的能力就是情感的解讀力。調光師的創造力會塑造整部電影獨有的風格和視覺印象，我認為正是因為有眾多經驗與資料的累積，才能成為掌握許多環節的高手，也正因如此才有辦法好好說服導演和觀眾。如果現場有調光師，應該非常能夠感同身受，我們都要在一片黑暗中獨自跟螢幕對話，這其實滿孤單的，我之所以對這份工作一直保持熱情，是因為我持續在追尋創意，追尋過程中便會期待下一個作品的到來。

以上是我大致整理的調光的重要部分，接下來會透過影片讓大家感受我剛剛所說的內容。

找出不通俗且牽動故事情感的特殊色彩

首先是《分手的決心》，這部作品非常有名，導演朴贊郁、攝影指導金智龍也都是業界的知名人物。這部作品裡的色彩不只是美術場景的元素，也被當作是揭示人物心理、表達敘事節奏的語言，是以色彩轉譯情感最具代表性的作品。尤其朴贊郁導演對美學的感受力造詣之深，他非常重視電影裡的色彩，所以我在每場戲的調光都花非常多心思反覆推敲。現在就來看看這部電影裡我最喜歡的片段，希望大家邊看邊思考作品中的色彩概念。

（播放《分手的決心》調光後片段：海俊、瑞萊在寺廟約會）

大家是不是想繼續看？湯唯是不是非常漂亮？《分手的決心》是我所有作品中最滿意的作品之一，為了讓觀眾自然而然地共感，並且投入在瑞萊與海俊那種令人難以理解的關係之中，我覺得要找出一個不通俗、能夠牽動故事情感的特殊色彩。為了要放大兩位主角眼神、表情裡所呈現的細微情感，畫面的質地和對比就是非常重要的調整關鍵。經過長時間思考，我選了紫色來乘載整部電影的情緒基調，為了讓色彩更飽滿、有層次，也選擇了跟紫色互補的青綠色作為輔助色。我也積極地尋找出能配合美術、服裝的顏色，能夠互相和諧搭配。

因為現場螢幕（LED螢幕）的差異，現在呈現出來的畫面跟最終完成的畫面還是有些不同，紫色沒辦法完整呈現，請各位見諒。前面有跟各位提到，色彩平衡非常重要，就是體現在這樣的場域，即使放映條件跟當初成品的條件不一樣，但是如果能夠維持平衡，在畫面上看起來就比較不突兀。我把紫色用在陰影較黑的部分，像是女主角頭髮處也包含了些微紫色成分，畫面的外圍部分則是用青綠色做點綴。接下來我們來看調光前後的變化。

（播放《分手的決心》調光前片段：瑞萊、海俊看著牆上命案現場照，討論未解案件）

接下來讓大家看調光後的感覺，這是從女主角的表情和表演中確立的氛圍，有一種神祕、強烈、華麗、蛇蠍美人的感覺，但同時又有清純、安靜的一面，我選擇了紫色，紫色也需要和華麗色調的服裝融合，去保持豐富的色彩層次。無論身上、髮色或比較暗的皮膚，都能感受到紫色的存在。來看一下調光後的感覺。

（播放《分手的決心》調光後片段：同上一段）

突顯人物讓觀眾的視線明確地被引導

大家有感受到紫色吧？那整體概念基本上已經確立，接下來再從人物、場景、服裝、美術等部分，來分享我對這部作品進行的思考，也回應剛剛提到我工作時重視的原則。首先是人物，我覺得最重要的是在一幅畫面中要讓觀眾視線停留在哪裡？我認為需要讓觀眾非常明確地被引導，「看這裡、看這邊」。而在大多數情況下，通常會聚焦在人物本身，我也常會把重點放在人物的集中度上。來看一下調光前後。

（播放《分手的決心》調光前、後片段：瑞萊被審訊的正面特寫）

可以感受到差別嗎？我常常會和攝影指導討論鏡頭角度，像這顆鏡頭我就把角色稍微往中央移動，透過這個方式提高集中度，也把牆面調暗以突顯人物。為了讓大家把注意力集中在她的臉部，所以再加上對比，我一向會把重點放在如何把演員的眼神線條呈現更清晰，才能讓觀眾馬上把視線聚焦到他們應該要注視的地方。導演常常會說：眼睛的部分再銳利一點，在操作軟體裡是有變銳利的功能，但我不會去使用，而是透過細膩地調整瞳孔、也就是眼神黑色部分的對比，這樣會讓人物變得更立體清晰，是我個人的小撇步，今天就送給大家。

接下來這個影片重點也是人物，希望大家能夠感受到紫色和青綠色這兩個概念被良好呈現，並且在美術、服裝的協調都達到一個很完美的狀態，會看長一點，可以仔細感受。

（播放《分手的決心》調光前片段：瑞萊激動地用中文講述她的往事，同時用手機翻譯成韓語）

可以看到海俊身後有很多不必要的元素，且太明亮、太搶戲，反而會讓人物不清楚，我想把重點集中在人物身上。這場戲是電影中的重要轉折，海俊開始懷疑瑞萊，所以要好好把張力展現出來，我很苦惱該怎麼辦才好？後來我決定把男主角海俊身後的客廳設定成關燈的客廳。

（播放《分手的決心》調光後片段：同上一段）

是不是真的很暗？透過果斷地把後面客廳調暗，大家只好集中視線在男海俊身上，另外在女主角瑞萊這側，我把人物和背景做出明顯的對比與分離，保留華麗的色彩概念，同時又能突顯人物，這算是滿具代表性的鏡頭。

場景的視覺敘事，以氛圍述說故事

接下來我想分享這部作品和人物一樣重要的另一個元素，就是外景。尤其《分手的決心》有許多特殊且美麗的外景場面，這部電影的開始和結束都充滿著「霧」，「霧」是非常重要的關鍵元素。事件發生在「山」，「山」是一切的起點，最後在夕陽落下的「海」劃下句點。處理這種大規模的背景時，我一定要先充分理解這些場景想傳達的訊息是什麼，然後我才能用色彩去表現。究竟這裡是要表現氣氛？或是我需要傳達它的時間、天氣、溫度？或是它只是戲與戲之間的銜接？不同目的會導致處理色彩時有不同的表現方法。

山，所有事件的開端

首先來看電影的開頭，也就是事件發生的那座山，依照時間順序會出現很多山的場景，這是事件剛發生不久、清晨時分的畫面，先來看調光之前。

（播放《分手的決心》調光前片段：發現屍體後，警察在山下推敲事件過程）

大家應該可以清晰看到，原本的畫面是在晴朗的白天拍攝的，連霧氣都是用特效製作的，所以畫面應該要比原始素材顯得更朦朧一點，這個山的場景必須表現出時間感，同時也要符合節奏感較強的剪接方式，並帶給觀眾一點趣味元素。

（播放《分手的決心》調光後片段：同上一段）

這場戲的時間點是清晨，我將整體畫面調暗，營造出日出前黑暗的感覺，另外加入一點藍色調，讓清晨的冷空氣更明顯地呈現出來。同時我也精細調整鏡頭尺寸的變化，讓整個場面看起來更具節奏感，以及強調屍體身上的紅夾克，讓它跟藍色的背景形成對比，使這個鏡頭更印象深刻。

海，兩個靈魂漸行漸遠的場域

接下來是電影結尾的「海」，令人印象深刻的重要環節，在這裡不只是呈現夕陽西下、海浪拍打的時間性意義，更要透過微妙的色彩組合，讓特效做出的海霧得以表現兩位主角永遠無法真正靠近的關係。

（播放《分手的決心》調光前片段：海俊在海邊尋找瑞萊）

這場戲其實連續拍攝好幾天，拍攝時間的確是日落時分，但我覺得整體色調有點單調，小小可惜。我當初看到畫面時就在想導演和攝影指導一定會想調整，看來要花很多時間來補足。

（播放《分手的決心》調光後片段：同上一段）

我在天空部分做了局部遮罩，再混入一些洋紅色、橘色的色調，並且以人物為中心，將周圍稍微壓暗，讓整體氛圍更強烈；我希望將日落的海平面，還有兩位主角心中不安的情緒，能以色彩呈現出來。我們和導演、攝影團隊經過好幾天討論，想找出最適合這個場景的日落顏色，我記得那時候為了打造色彩層次，我們真的是一點一點、非常細緻地去完成每個部分。在剛剛圈起來的區塊，導演說能不能加一點洋紅色？剛開始聽到我覺得是否會太突兀，後來放進去後才發現很和諧，我在心裡讚嘆——不愧是大導演。

霧，沉默的角色

接下來介紹這個作品非常重要的部分「霧」，它就像一個角色，不可忽視。我認為這個元素視覺化了男女主角之間模糊不清的情感界線。

（播放《分手的決心》調光前、後片段：海俊和警察同僚在海邊爭論案件）

外景很多條件比較難控制和統一，為了呈現霧氣，我反而刻意降低對比，並且將黑色部分拉得更霧、更柔一點，讓整體帶有朦朧的感覺。另外再加上一層藍色調，讓畫面符合霧氣出現的清冷氛圍。

善用色彩和諧，讓人物跟空間的情感對比更具戲劇性

接下來跟大家分享朴贊郁導演作品中不可或缺的環節，就是美術和服裝設計上的色彩處理，如果大家熟悉朴贊郁導演的作品，你會發現幾乎都有華麗鮮明的美術和服裝，所以我必須找出紫色、青綠色這兩個基調，與美術、服裝強烈色彩之間的和諧。如果能好好善用互補色，就能讓人物跟空間的情感對比更具戲劇性，也能更加鮮明地呈現。我會透過局部遮罩的處理，盡可能地將原本就存在的色彩提升到最佳的狀態，或者利用更細膩的遮罩技法，打造出更精緻幹練的色彩呈現，這部分滿需要我們這些專業人士對色彩的敏感以及美感的判斷。

接下來讓大家看電影中各種場景，可以看到調光前後的差別，並感受色彩是如何被激發出來的，相信這過程會滿有趣的。

（播放《分手的決心》調光前、後片段：瑞萊在廁所洗手，往傷口的OK蹦噴香水）

調光之後的版本可以看到，廁所牆壁、門、女主角瑞萊的衣服等，我真的是絞盡腦汁、想盡辦法做了許多加強。

接下來是在海俊家，給大家看一下調光前後的差異。

（播放《分手的決心》調光前、後片段：瑞萊在海俊家，發現整面牆都是命案現場照片）

再來是男女主角初次見面的場景。

（播放《分手的決心》調光前、後片段：海俊在驗屍間初次見到瑞萊）

到這邊為止我們已經看完《分手的決心》比較重點的片段了，我也非常好奇，不曉得有沒有把愛、懷疑、慾望，還有罪惡感之間的界線，透過「色彩」好好地傳達給大家呢？

跳脫傳統恐怖驚悚片的色調框架，塑造陰森、詭譎、冰冷的緊張感

接下來我想跟大家分享的另一部作品《破墓》，在色調上和《分手的決心》完全不同，《破墓》是張在現導演最新一部驅魔、靈異類型的作品，據我所知這部電影深受許多觀眾喜愛，在亞洲有非常亮眼的成績。攝影指導由李毛凱（Lee Mo-gae）擔任，也就是十五年前給我當頭棒喝的那位老師。這位攝影師參與非常多知名作品像是《12.12：首爾之春》、《暴風圈》等，我們合作非常久，也常常吵架，因為這些過程也讓我們之間的信任感更加深厚。一起合作《破墓》時也常說以後別再合作了吧，不過說歸說，後來還是又完成了兩三部作品，現在也正在攜手打造下一部作品。之所以跟大家講這些，我是想強調攝影師跟調光師之間的默契非常非常重要，尤其大家常會用情緒、感覺的語彙來描述他想要的效果，說實在雖然我是韓國人，但是他們常會講出一些讓我覺得「韓文有這些形容詞嗎？」比如說，濕濕的、悶悶的、黏膩的、有點乾又不是太乾的⋯⋯，真的是很難理解。很神奇的是我們總是能把這些模糊的語感轉換成具體的色彩，我想這應該就是多年合作之下累積出的默契語言，接下來就一起來看《破墓》這部電影裡有哪些色彩故事吧。

首先跟大家分享《破墓》最具代表性的「血祭儀式」場面，各位可以跟《分手的決心》做比較，兩部片的色彩呈現有什麼差異？

（播放《破墓》調光後片段：巫師花林進行血祭儀式，用刀割臉和腿）

看完這場戲，大家感覺這部作品的色彩概念是什麼呢？這部作品的基調我選擇了酒紅色，《破墓》跳脫傳統恐怖驚悚片裡常常會有藍色、青色調的框架，今天想跟大家分享我當時如何意外發現酒紅色，如何讓這個顏色包覆整部作品，以及用這個顏色打造出緊張感。我剛開始讀劇本時，發現大部分都是夜景，且有宗教、靈異的元素，所以自然而然會聯想到藍色調，拍攝時也是朝著這個方向進行。但是在拍攝結束後，我對作品的整體概念有了很大的轉變，所以和團隊也吵得不可開交。想法轉折的契機是因為女主角李花林身上所穿的酒紅色大衣，這件顏色強烈的酒紅色大衣，彷彿象徵了整部作品的核心，我確信這個顏色能讓作品變得更獨特、更有新鮮感，因此我把酒紅色設定為電影的核心色調，跟攝影指導說：「請給我幾天時間」，之後把成果給他看，他看完非常滿意。

接下來讓大家看看《破墓》調光前後的幾個片段，可以感受色彩的變化。

（播放《破墓》調光前片段：一行人開車上山，進入森林）

這是常見的拍攝方法，可以看到晴朗的藍色天空，當然這場戲不可能一天拍完，每天的天氣、時間段也不一樣，又同時用Alexa攝影機、Inspire空拍機進行拍攝，遇到這種畫面很讓人抓狂。在這些基礎上，我們要替整部電影穿上剛剛提到的酒紅色，並且還要呈現出好像隨時會有鬼出沒、墓地的感覺。

（播放《破墓》調光後片段：同上一段）

為了讓大家更容易理解，我們再來看另外一顆鏡頭。

（播放《破墓》調光前片段：主角初次踏入墓地，討論要選哪一天破墓）

背景裡的森林、樹木其實都偏綠，我覺得很不符合靈異電影。再來看看調光成酒紅色調後，樹木呈現怎麼樣的感覺。

（播放《破墓》調光後片段：同上一段）

有看出變化嗎？為了讓觀眾感覺到陰森、詭譎、冰冷的緊張感，我無法放棄把「酒紅色」這個元素放進電影裡。如果是有大量服裝、美術輔助的室內場景，比較容易處理，但《破墓》外景戲非常多，所以我花了很多心思。大家看過《破墓》就知道，從頭到尾沒有一天是好天氣的，不是陰天就是下雨，再不然就是晚上。所以在天空部分，我多半透過遮罩去降低它的亮度；再來我覺得樹木原始的綠色會和酒紅色起衝突，也使用遮罩調整成乾燥一點的棕色調；另外用比較冷的洋紅、藍色調把氛圍推向更高的緊張感，接下來看一段外景的範例。

（播放《破墓》調光前、後片段：其他祭祀人員擅自破墓時，突然開始颳風下雨）

相信各位應該有看出不同，我想跟大家分享打破既有框架的新嘗試，一般在進行調光時，會像在《分手的決心》把人物和背景進行分離，或是強調服裝、美術的色彩，讓整體畫面更具視覺的豐富度。但在《破墓》裡我反而採用了完全不一樣的方法，我想節制地使用顏色，透過這樣的方式表現出整部電影的緊張、壓迫、沉重。看過《破墓》的人應該可以發現，整部片幾乎沒有特別突出的顏色，我希望能夠把觀眾的視線拉向人物的表情，並且用單一的色調去包覆整部片，把觀眾困在那個世界裡面，透過這樣的方式讓恐怖和緊張的感覺逐步提升。接下來就看畫面感受一下氛圍，這段可以直接看調光後。

（播放《破墓》調光後片段：眾人在墓地討論是否要打開棺木）

透過紅色調詮釋溫度與人類的恐懼，讓緊張感瞬間爆發

希望透過這些片段，大家有感受到電影想呈現的訊息。接下來想講的部分是《破墓》的結尾，算是電影最高潮的段落，出現了巨大的火球。我透過強烈的紅色調來詮釋溫度，也呈現人類的恐懼和害怕。在這場戲裡，紅色並不只是單純色彩變化，更想呈現恐懼爆發的視覺瞬間，整部電影一路累積的緊張感在這個瞬間爆發，我們為了呈現恐懼爆發的溫度，細緻調整色彩的濃度、明度，以及在角色皮膚上放入一些微妙的紅色氣息，讓它們精準地咬合在一起。另外我也透過一些閃爍、顆粒感及畫面轉場，讓觀眾理解角色的情緒，能夠被推向高潮。

（播放《破墓》調光後片段：火球在天空盤旋後墜入墳墓中）

接下來的片段也是類似感覺，運用到剛剛提到的閃爍和顆粒感，大家可以感受一下。

（播放《破墓》調光前、後片段：主角們對抗日本將軍鬼）

以上是我這次準備的內容，抱歉做結尾的片段比較可怕，回家路上也小心。對我來說這是一個很好的機會來回顧這兩個作品，也希望對大家來說這是有意義的兩小時。所謂的調光，我認為是在最後階段讓電影的完成度提升到最大值的重要環節，希望在座的製片人、導演們能透過充分溝通，讓調光師的潛能發揮到最大；也希望在座的調光師們能好好發揮實力，以最真誠的態度進行創作，讓電影的完成度更上一層樓。最後非常感謝舉辦這麼意義非凡活動的金馬影展同仁，感謝大家。

【學員提問】

Q：想請問老師調光前的片段是Rec.709嗎？另外在《暴風圈》中，整體影像給人一種底片的質感，可是角色的臉部光線卻是偶像劇的感覺，看的時候有種新鮮的衝突感，但又不會不和諧，想問是怎麼辦到的？

朴珍映：首先調光前影片是用Rec.709沒錯，要看播映的環境、硬體設備去做調配，因為現在這個場地是用Rec.709，不過平常電影作業時是用P3。《暴風圈》必須分成幾個部分分享，我的確是花了不少心思，導演當初設定的整體概念就是希望做出電影膠卷的質感，所以我們第一個想到的是增加對比，但不能忽略的重點是，這個作品的類型是浪漫愛情，如果把對比做得太強烈，反而會有點突兀，所以我把人物作為核心，女主角的皮膚色調也要維持穩定，再適當加入一點對比，我們現在有用好萊塢也在使用的軟體叫做LiveGrain，以它來做我們想要的沉重感，同時又可以比較柔和地呈現出浪漫愛情的元素。

Q：《分手的決心》湯唯的特寫畫面在調光後畫面有被放大，這部分需要跟攝影師溝通嗎？有些攝影師不喜歡別人動他的畫面尺寸，想知道老師當初怎麼去溝通的？

朴珍映：這部分你說得沒錯，常常會遇到需要溝通的部分，有些攝影師的確不太喜歡角度的改變，不過我目前合作過的夥伴，滿多人也樂於聽取其他人的意見，在確實需要微調、裁切的情況下。如同我剛剛分享的，因為我們長時間合作、彼此信賴，所以攝影師願意聽我的意見去嘗試。我通常會說，這裡裁一下，女主角看起來更漂亮；這邊修一下，人看起來更修長，如果他們覺得是更好的提案，當然就會欣然接受。

以前用膠卷拍攝時，可能會擔心畫面裁切放大後畫質變差，因此不傾向做太多調整。但現在的攝影機非常進步，即使裁切放大，畫質基本上不會有任何問題，正是因為如此，現在的攝影團隊更樂於聽取意見。另外，如果修改對於整體剪輯脈絡沒有太大影響，基本上合作夥伴不會太過固執於他們原本的設定。所以我真的鼓勵在座的調光師，大膽地去做更多創意發想。

Q：《破墓》下雨的空拍機畫面，在調光前的影像中看得到雨滴，而調光後好像因為加了顏色層次，雨滴的細節反而沒那麼明顯，這部分是刻意的嗎？也好奇調光細節跟畫面細節無法顧及時，要如何做取捨？

朴珍映：我們必須檢視作品的核心概念，當然不能因為調光就讓原本想展現的東西消失在畫面中，如果出現這樣的情況就不是個很好的選擇。你提到調光前有雨滴，調光後雨滴看不清楚，是因為比起雨滴，最重要的是把亮度降低，我希望這裡變得夠暗，「暗」的氛圍才是這裡的重點，所以雨滴稍微模糊，而聲音也有做出雨滴的部分，因此我就沒有特別把細節做得面面俱到。

Q：請問老師會在前期就加入劇組嗎？會不會協助攝影師做現場輔助使用的LUT（Look-Up-Table）嗎？如果會的話，有什麼注意事項嗎？

朴珍映：首先當然會參與前期製作，但還是看作品的性質，有些作品對色彩美學特別講究，參與的比重就會較多。並不是說所有調光師都要這麼做，但是因為我作為總監，時常積極參與。另外，我會和攝影師一起製作LUT，如果不按照之後進行作業的環境進行基本的LUT設定，那參與前期就沒有太大意義，就是希望之後作業更方便，才會進行LUT的製作。關於注意事項，也希望大家不要百分之百相信LUT，即使是相同機型的攝影機，每台的設定還是不太一樣，不能套用在所有情況裡面。同時要考量機器的動態範圍（Dynamic Range），經過多方考量後才能好好活用，所以我建議不要做太多，比如白天、晚上、室內各做一個，訂出大方向基礎後，再活用就可以了。

Q：剛剛老師給我們看的畫面，音畫吻合度非常高。通常在製作時程上調光會比混音快，請問老師平常都如何跟聲音部門合作？調光過程中間會不會拿到一些聲音檔作為參考？

朴珍映：以前在調光時會把聲音關掉，想把焦點、重心都放在畫面上，後來我覺得音畫配合非常重要，即使不是最終確認的聲音檔，我也希望能夠先拿到。比如拍攝過程中已經設想用哪種音樂，我都會先和導演說這很重要，我需要拿到檔案，他就會去幫忙安排，基本上不會直接對到聲音部門，如果不是時程太難配合的情況下，大部分都能夠先拿到聲音檔再進行作業，當然我希望是已經確立基調的聲音檔。前期只看台詞去思考調光時，也會常常追問「到底什麼時候可以給我聲音？」他們會知道「這件事情很重要，要趕快給她！」韓國一直到幾年前還沒有這種製作規格和需求，現在Dexter Studios的DI部門工作室都配有Dolby Atmos 系統，打造可以邊聽聲音、邊調光的工作環境，這在韓國不算常見，我們公司算是業界第一個採用這個系統的公司。

Q：請問老師有沒有愛用的外掛軟體？

朴珍映：我只使用Baselight，非常專情於它，沒有再涉略其他軟體。

Q：當導演給的reference和現場拍攝的素材有些落差時，要怎麼溝通呢？

朴珍映：你提到非常關鍵的問題，滿多攝影團隊會拿reference影片來說就是要這種感覺，我們當然會尊重喜好、盡可能實現，當然不是每次都能如願以償。我會根據拍攝條件、服裝與美術條件等來進行溝通，以這些元素打造出最和諧的狀態，這才是對作品最好的幫助。其實經過多方嘗試後也發現，跟我合作的團隊後來就比較不會拿reference給我參考了，基本上就是透過剛剛講的這些元素，去找出最適合的調光方式。

所以我要再次強調，經過非常多對話和溝通去找到新的東西，後來發現這樣的方式才是對作品的發展、完整度有更大的幫助，當然如果要我按照原本想要的感覺，也是有辦法做出來，但可能就要有所取捨，比如作品的真實感會因此變得生硬，自然流露的氛圍可能也會變得不那麼好看。如果我能完整呈現他們想要的感覺當然皆大歡喜，沒辦法的話我就會透過剛剛講到的這些元素綜合起來，去找到更好的解決方案提供給合作夥伴，但前提是你必須對自己的專業能力非常有自信才行。